W tym roku reklamodawcy zmienili zasady gry na Super Bowl. Zobacz najlepsze reklamy i trendy, które pojawiły się w kampaniach reklamowych przed i w czasie finału NFL!

Tegoroczny Super Bowl okazał się przełomowym momentem dla reklamodawców, którzy zdecydowali się na zastosowanie nowych strategii, aby dać się widzom lepiej zapamiętać. Jednym z kluczowych trendów, który zyskał na popularności, było wykorzystanie teaserów – krótkich zapowiedzi reklam, emitowanych przed głównym wydarzeniem. Ta taktyka, inspirowana światem kinematografii, pozwoliła markom na budowanie napięcia i zainteresowania wokół ich nadchodzących spotów, transformując jednorazowy przekaz reklamowy w wieloetapową narrację.

Zobacz nasze zestawienie 5 najlepszych kampanii reklamowych na super Bowl 2024.

Easy Night Out

klient: Bud Light
agencja: Anomaly NY
produkcja filmowa: MJZ
reżyser: Craig Gillespi

Twórcy spotu Bud Light postanowili powrócić do korzeni. W tej lekkiej, klasycznej reklamie w roli głównej gra mocny humor i szybka narracja. Inspirująca się filmem historia łączy się z promowanym napojem. Oglądając tę reklamę przenosisz się w świat, który jest spełnieniem Twoich marzeń. Powoduje, że czujesz się silniejszy, fajniejszy i lepiej się bawisz.

klient: Frito-Lay North America
agencja: Maximum Effort
produkcja filmowa: Kimmelot
reżyser: Oren Brime

Firma Lay’s w zabawny sposób stworzyła serię, w której osobne reklamy łączą się w jedną całość. Do stworzenia używają w każdym spocie tych samych cytatów, które do siebie nawiązują, ale osobno też tworzą kontekst. Ten blok reklamowy jako mikro kontent skupiony na storytellingu jest zbiorem filmów, które są krótkie, ale muszą skupić uwagę.

klient: Squarespace
produkcja filmowa: Squarespace, Superprime Films
reżyser: Martin Scorses

Spot Squarespace to idealny przykład reklamy, w której występuje nowy trend. Reżyser, który również występuje, Martin Scorsese bardzo docenia teaser, który już sam w sobie wygląda jak reklama. Autor pokazuje nam historię jak przez internet i małym kliknięciu na stronie można ożywić nierealne rzeczy. Ten osobny typ komunikacji, bardzo przypadł do gustu dzisiejszym twórcom.

agencja: Highdive
OMD, Optimum Sports, The Marketing Arm,
Infinity Marketing Team,
FleishmanHillard
reżyser: Jim Jenkin

W reklamie State Farm twórcy dosłownie zapraszają, aby pójść na Super Bowl. Twórcy w tym spocie przedstawiają bohatera, Arnolda Schwarzeneggera, w zabawny sposób, ale nie taki żeby go ośmieszyć tylko w taki, że śmiejemy się z nim. Reklama w której jest podkręcane tempo, dużo się dzieje, jest bez zakończenia, aby dopiero potem zobaczyć resztę historii.

klient: Uber Eats
agencja: Special Group USA
produkcja filmowa: Gifted Youth
reżyser: Jake Szymansk

Uber Eats swoimi reklamami jest w stanie przyciągnąć każdą grupę wiekową. W tym przypadku uwagę różnych pokoleń przykuwają między innymi gwiazdy, takie jak Jennifer Aniston, David Schwimmer, czy Jelly Roll. Twórcy za każdym razem zaskakują czymś nowym. Tutaj teaser to osobny świat -przedstawia inną historię, używając przy tym nawiązań do popkultury, ale bawi i śmieszy tak samo jak reklama.

Potrzebujesz reklamy? Kliknij i zobacz nasze portfolio!

agencja: Mother London
reżyser David Shane

agencja: Wieden+Kennedy New York
produkcja filmowa: Love Song
reżyser: Camille Summers-Valli

agencja: TBWA\Media Arts Lab
reżyseria: Megaforce
produkcja filmowa: Iconoclast
VFX: Electric Theatre Collective

Często, kiedy oglądamy reklamy świąteczne, widzimy… jak to nazwać, żeby nikogo nie urazić… recykling treści? Ale w tym roku reklamodawcy naprawdę pozytywnie nas zaskoczyli! Spoty, które trafiły do naszego zestawienia, są świeże, kreatywne i bardzo poruszające. Przygotuj chusteczki i ruszamy!

Thank You, Santa
agencja: The Pharm / VMLY&R
reżyser: Sam Brown
producent: Polly Ruskin

Joy Ride
reżyser: Wayne McClammy
produkcja filmowa: Hungry Man

Snapper: The Perfect Tree
agencja: Saatchi & Saatchi
reżyseria: Megaforce
produkcja filmowa: Riff Raff Films

Fuzzy Feelings
agencja: TBWA\Media Arts Lab
produkcja filmowa: Hungry Man
reżyseria: Lucia Aniello
reżyseria animacji: Anna Mantzaris

A Holiday to Remember
agencja: The Commonwealth/McCann
reżyser: Tom Hooper
produkcja: Smuggler, Sara D’Alessio

Czy reklamy foodowe zawsze muszą być piękne, apetyczne, ociekające smakiem i zapachem? Niektóre marki do tematu podchodzą w zupełnie inny sposób – i osiągają swoje cele! Przedstawiamy Wam TOP 5 Odważnych, Szalonych i Kontrowersyjnych Reklam o Jedzeniu. W tym odcinku wyjaśniamy, co stoi za reklamami, które budzą kontrowersje, są niesmaczne, a na dodatek – wcale nie eksponują produktu.

Shockvertising to wywoływanie reklamą skrajnych emocji u odbiorców, np. przez wykorzystanie treści kontrowersyjnych, ryzykownych lub wzbudzających odrazę.

W dzisiejszych czasach kontrowersyjny przekaz jest jednym ze sposobów docierania do odbiorcy, który jest już nasycony komunikatami w telewizji i mediach społecznościowych. Gdy opinia publiczna zalewa markę falą krytyki, czasem jest to dla niej powód do radości – w myśl zasady “nieważne co, ważne, żeby mówili”. W końcu, żeby liczyć na takie zasięgi, jakie marka może zdobyć dzięki mediom społecznościowym, firma musiałaby wydać dziesiątki lub nawet setki milionów dolarów (co zobaczycie na naszych przykładach). Idealnie, gdy marketingowcy znajdą sposoby na to, żeby zszokować, a jednocześnie wywołać pozytywne skojarzenia – jeśli chcecie zobaczyć przykłady, czytajcie dalej (lub obejrzyjcie materiał wideo powyżej).

Chociaż większa rozpoznawalność marki jest kusząca, wykorzystanie shockvertisingu wiąże się z ryzykiem. Istnieje cienka granica między zaskoczeniem a oburzeniem. Zadaniem marketerów jest stąpanie po tej granicy, ale nie przekraczanie jej. Celem marketingu jest dotarcie do dużej grupy odbiorców, jednak gdy coś pójdzie nie tak, może się okazać, że ta duża grupa poczuje się dotknięta, a reklama wywoła skutek odwrotny do zamierzonego.

W standardowych reklamach foodowych obraz ma nam wynagrodzić to, że nie czujemy zapachu i smaku. Dlatego tak często kadry, które oglądamy na ekranie, są mocno estetyzowane. Często towarzyszą im też sugestywne dźwięki. W reklamach, które wybraliśmy do tego przeglądu, produkty pojawiają się na drugim planie. Twórcy reklam korzystają z faktu, że ich produkty są dobrze znane, dlatego uciekają od tradycyjnego oblewania batonika czekoladą. Wiedzą, że mogą posunąć się o krok dalej i sięgnąć po silne emocje szoku i oburzenia.

Ta reklama jest tak mocno osadzona w serialu, że niektórzy odbiorcy mylnie biorą ją za sceny z filmu z lokowaniem produktu. Trzyminutowy spot reklamowy ze zwartą akcją i dobrze zbudowanym napięciem wciąga i wywołuje miły dreszczyk związany z serialem. I do tego wszystkiego dołożono pizzę, a właściwie jedynie pudełko, bo w całej długiej reklamie ani razu nie pojawia się produkt. Funkcjonujemy na poziomie opakowania i logotypu.

Spójrzmy na kampanię strategicznie: po co takich ruch?

Dzięki tej reklamie pizza staje się częścią świata, który oglądamy. Twórcy reklamy zyskali to, że w momencie, gdy odbiorca chce odpocząć i sięgnąć po Netflixa, to pizza Domino’s wydaje się idealnym uzupełnieniem tej chwili. Jest klasyczna, tak klasyczna jak ten serial. Dodatkowo, mimo że reklama jest zakorzeniona w przeszłości, jednocześnie wykorzystuje aktualne trendy, czyli użycie aplikacji do zamawiania pizzy “siłą woli” (czyli za pomocą rozpoznawania ruchów twarzy).

Bardzo dobrze wymyślona kampania reklamowa.

Wiemy. Przepraszamy. Tego się nie do odzobaczyć! Po pięknej, wypracowanej estetyce “Stranger Things” nastała pora na typową komunikację Skittles.

Zanim przejdziemy do analizy, warto zobaczyć jeszcze drugi spot reklamowy w podobnej tematyce – “Yoghurt Boy”.

tytuł: Yoghurt Boy
agencja: DDB Chicago
reżyser: Ian Pons Jewell
producent: Nick Goldsmith

Zwróćmy uwagę na zdolność narracyjną reżysera. Widać, jak dokładnie kontroluje tempo narracji, przychodzi na twarze w odpowiednich momentach, pokazuje drogę, jaką Skittles pokonuje poprzez pępowinę, skacząc bliskimi ujęciami. To wszystko potęguje wrażenie. Typowa komunikacja Skittles – zaskakująca i obrzydliwie skuteczna, nieprzerwanie od wielu lat!

To kolejny w zestawieniu spot reklamowy, w którym produkt jest schowany. W przypadku Snickersa aż kusi, żeby karmelowy batonik obsypać orzeszkami i oblać czekoladą w 3D. Tu jednak produkt jest nieobecny – widzimy tylko opakowanie. Na pierwszym planie są emocje związane z dążeniem do tego, żeby go mieć. Dzieciaki zrobią wszystko, żeby Snickersy były ich.

Ten spot reklamowy jest bardzo minimalistyczny, można go było wyprodukować dosyć tanim kosztem, a opiera się na świetnym pomyśle, dobrej komunikacji i skutecznym operowaniu budżetem. Jak widać, to wystarczy, żeby wyprodukować wiral.

tytuł:Interview
agencja: CLM BBDO
dyrektor kreatywny: Gilles Fichteberg, Jean-Francois Sacco
reżyser: Matthijs Van Heijningen

Ta reklama od razu kojarzy się z filmem “Fight Club” z 1999 roku.

Sceny w tym spocie są pełne dynamizmu, emocji i trochę przemocy. Z całą pewnością komunikat jest bardzo odważny.

Przyjrzyjmy się chwilę targetowi tej reklamy. Przed twórcami spotu wideo stanęło zadanie skupienia się na grupie, która dopiero wychodzi ze szkoły i wchodzi w życie – wiek ok. 18-25, odbiorcy Coca-Coli.

Pepsi wysłało w tym filmie komunikat: “Jak chcecie, możecie być grzeczni. my jesteśmy pojechani, jesteśmy bardziej ekstremalni!”. Jest to więc próba zagospodarowania targetu, który wtedy w 2009 był jeszcze ciągle bardzo dobrym wyborem, bo to była generacja, która chciała się dookreślić, pokazać, że jest zbuntowana.

Nie mogliśmy się dogadać co do miejsca nr 1, więc postanowiliśmy nagrodzić dwa spoty. Co ciekawe, są to spoty jednej marki i choć oba odważne, to zupełnie odmienne, skierowane na dwa różne rynki.

tytuł: Eat Like Snake
reżyser: Kinka Usher – House Of Usher
produkcja filmowa: Cbs Riot

tytuł: The Moldy Whooper
agencje: INGO, Sweden / DAVID Miami / Publicis
reżyser i producent: Markus Ahlm
producent: Lena von der Burg

Reklama “Eat Like Snake” kieruje się na rynek azjatycki, na którym panuje zupełnie inne myślenie o reklamie niż na rynkach europejskich czy w USA – o czym będziemy mówić w jednym z kolejnych odcinków.

“The Moldy Whooper” bazuje na całkowicie innym koncepcie, ale i tu czeka nas szok i niedowierzanie. Burger pokrywa się pleśnią. Pokazanie procesu psucia się towaru to bardzo odważny krok dla reklamodawcy. Tutaj z brzydoty uczyniono atut, wskazujący na brak konserwantów chemicznych.

Ta reklama pojawiła się w momencie, kiedy w mediach zrobiło się głośno o rzekomej sytuacji, w której pozostawiono burgera z McDonalda na długi czas, a on dalej wyglądał świeżo i smacznie. Twórcy spotu skorzystali z mitu, który był obecny w komunikacji społecznej i zrobili kontrreklamę, która tę miejską legendę przekuła w niezwykle skuteczne narzędzie.

Jak wiemy z badań, sprzedaż wzrosła o 14%. Wzrost świadomości odnośnie sztucznych konserwantów wzrósł o 400%. Ten spot reklamowy miał 8,5 mld wyświetleń, a dzięki temu, że wszystkie media rozpisywały się o tej kampanii, zarobiła ona organicznie 40 milionów dolarów.

Trzeba też dodać, że mimo upływu lat, ta jedna kampania wciąż sprawia, że Burger King jest utożsamiany z jedzeniem lepszej jakości niż inne fast foody.

Tak ogromne znaczenie dla wizerunku marki może mieć jedna dobrze przemyślana kampania reklamowa!

O temacie reklam żywności moglibyśmy rozmawiać godzinami. Jeśli potrzebujesz reklamy dla Twojej marki, zobacz nasz showreel i porozmawiajmy o Twojej reklamie!

W ramach kampanii promowanej w czasie Superbowl 2023, marka Booking.com po raz kolejny odwołała się do tego magicznego uczucia, które towarzyszy nam tuż przed kliknięciem przycisku “Rezerwuj”. Znane już z wcześniejszych spotów marki logo muzyczne “booking.yeah” również odnosi się do tego dreszczyku emocji, jaki świadomie wywołuje w nas marka.

Wybrany przez nas spot ma szkatułkową budowę, dzięki czemu marka zyskała narzędzie do skutecznej komunikacji w mediach społecznościowych i w internecie. Melissa McCarthy wciela się tu w postać żony i mamy, która marzy o wakacjach.

Ta postać szybko staje się nam bliska. To taka dziewczyna z sąsiedztwa ala Bridget Jones, z którą mamy ochotę się zaprzyjaźnić. Jest urocza, choć omże trochę niezdarna. Nie wszystko jej wychodzi, ale za to jest sympatyczna i wszyscy kibicują, żeby dostała swoją szansę na odpoczynek.

Co do nas szczególnie przemawia, to forma musicalu, dzięki której spot reklamowy zyskuje lekkość i jeszcze bardziej wpasowuje się w klimat lata.

tytuł:  Find Your Perfect Somewhere
agencja: Wieden+Kennedy Portland
produkcja filmowa: Producers: Nani Weinberg, Rafael Sanchez
dyrektorzy kreatywni: Devin Gillespie, Becca Wadlinger
copywriter / dyrektor artystyczny: Nicole Blauw, Nick Stokes

W tym spocie nie ma wątpliwości, że nawet gdy budżet nie pozwala na szaleństwa, odpowiednia kreacja może uczynić z reklamy wiral. Produkcyjnie mamy tutaj minimalizm – ujęcia stockowe i lektor, czyli najbardziej podstawowa forma reklamy filmowej.

Narrator w tej reklamie to ktoś, kto od razu przypada nam do serca. Brzmi naturalnie, zacina się, jest ludzki, co bardzo angażuje widza. Ponownie jest to taki człowiek z sąsiedztwa, którego chciałoby się poznać.

Jak widać, nie zawsze potrzebny jest wielki budżet. Tutaj pomysł sprawił, że reklama stała się bardzo skuteczna i zyskała duże zasięgi.

tytuł: You Can Bring Your Kids To Vegas But Why Would You
dyrektor kreatywny: Guto Araki
produkcja filmowa: Hungry Man
reżyser: Dave Laden

Sprawny spot reklamowy, który prezentuje triumf kreacji. Twórcy reklamy uznali, że nie trzeba pokazywać kasyn, pustyni, klimatu zabawy – to już wszystko funkcjonuje w popkulturze i każdy widz ma je w świadomości. Skupili się na pragnieniu. Oglądając tę reklamę, czujemy, że wyjazd do Vegas jest pokusą wartą grzechu, dla której można nawet poświęcić córkę.

Patrząc produkcyjnie, mamy tu bardzo prostą sytuację: troje aktorów (plus statystka) i jedną lokację. Podobnie, w drugiej reklamie z tego cyklu- jest ona ograniczona do dwójki aktorów. Budżet tego spotu może i był niewielki, ale reklama bardzo skutecznie dociera z komunikatem do klientów. Cel został osiągnięty!

Marka White Claw w swojej kampanii reklamowej zdecydowała się wykorzystać emocje związane z niesamowitą siłą natury. Reklama przedstawia buntownika, który wbrew wszystkim ludziom uciekającym przed burzą z plaży, decyduje się iść na spotkanie z falami.

Reklamy telewizyjne bardzo rzadko wykorzystują czarno-biały format. Zdarza się to, gdy opowiadane historie mają wywoływać wzruszenie. Jednak w reklamach letnich można zaryzykować stwierdzenie, że jest to ewenement.

Estetyka tej reklamy przykuwa uwagę i odróżnia ją od standardowych, letnich spotów.  Zastosowane środki podkreślają wizerunek głównego bohatera: to już nie jest chłopak z sąsiedztwa. To buntownik, charyzmatyk, zwycięzca. Przekaz jest jasny: to napój stworzony dla indywidualistów Wysmakowana reklama skutecznie dociera do grupy odbiorców, którzy doceniają wyższy poziom estetyki.

tytuł: Am I Dreaming?
agencja: The Shipyard / Sacramento
reżyser: Rodrigo Valdes
produkcja filmowa: Superprime Films

Miejsce pierwsze przyznajemy reklamie Los Angeles. Utrzymana w klimacie musicalu, nawiązuje do złotych lat Hollywood i oddaje atmosferę i klimat Miasta Aniołów. Wielu marzy o odwiedzeniu tego miejsca ze snów.

Twórcy tego spotu świadomie skupiają się na kalkach popkulturowych, które widzowie mają w podświadomości. Może i Kalifornia ma swoje problemy (jak na przykład całe pasy koczowników), ale w tej reklamie ważne są tylko marzenia. Klient chce tego doświadczyć, dotknąć.  Dodatkowo, piosenka zespołu Queen, jedna z najbardziej wykorzystywanych przez reżyserów w reklamie, gwarantuje szybkie tempo i dynamikę spotu. Całość dosłownie wyrywa widza z krzesła i przenosi go do krainy marzeń.

Kampanie reklamowe są nieodłącznym elementem strategii marketingowych. Wideo przyciąga ponad 300% większy ruch od pozostałych form content marketingu. W 2022 roku YouTube był najczęściej odwiedzaną platformą streamingową. W 77% reklama w tym serwisie przyniosła większy zwrot z inwestycji niż reklama telewizyjna.

Te wszystkie fakty nie pozwalają bagatelizować możliwości, jakie daje reklama wideo. Jeśli zastanawiasz się nad stworzeniem reklamy dla swojej firmy, kliknij w ten link i napisz do nas.  Stwórzmy razem coś pięknego!

Tytuł: The Infinite Parade
Klient: Disneyland Paris
Agencja: BETC

W reklamie została zachowana disneyowska plastyka. Cały spot jest przesiąknięty barwami, które znamy ze słynnej czołówki z zamkiem i sztucznymi ogniami.

Co bardzo ważne – dzięki zatrzymanym kadrom osiągnięto też efektywność budżetową (oczywiście w skali kwot disneyowskich). Widać, że ten spot został bardzo dobrze przemyślany i napisany, również pod kątem optymalizacji budżetu.

Tytuł: KFC Héritage
Klient: KFC
Agencja: Havas Paris

Jest to trend bardzo silnie obecny korporacyjnie, ponieważ klienci zaczęli tego od firm bezwzględnie wymagać.

Klienci chcą powiedzieć “Sprawdzam”, obejrzeć firmę z różnych perspektyw, dotrzeć do jej KRSu i raportów rocznych, wiedzą, że mogą do niej napisać i oczekiwać wyraźnej odpowiedzi. Z tym trendem łączy się wiele wątków, m.in. uczciwość społeczna, inkluzywność, greenwashing,

Zdecydowanie jest to dopiero początek zmian, ten temat będzie w reklamie dominował.

Tytuł: Wie ist er niet groot mee geworden
Klient: Unilever/ Calvé Pindakaa
Reżyser: Ismael Ten Heuvel
Agencja: Alfred

To nie jest wymyślona historia. Ten spot pokazuje dzieciństwo realnej osoby, tenisistki z niepełnosprawnością, która wygrała 44 wielkie szlemy. Wyjątkowy film, wyjątkowe, inkluzywne przesłanie. Również doskonale dobrany utwór Queen, którego przesłanie odpowiada przesłaniu reklamy, a swoją rytmiką nakręca cały spot. Warto zwrócić uwagę na świetnie sprzedany packshot, który w spocie nie stanowi obcego ciała i nie “przeszkadza” opowiadanej historii.

Nie jest to ulubiony temat marketerów, którzy przecież chcą, aby to co tworzą było wyjątkowe, wyraziste i unikatowe. Okazuje się jednak, że klienci, którzy są zmęczeni i przebodźcowani oglądaniem setek reklam, doceniają prostotę.

Tytuł: Live sustainable #LikeABosch
Klient: Bosch
Agencja: Jung von Matt / Pingüino Torreblanca

Mimo że ta reklama jest dosyć wyważona, kiedy rozłożymy ją na części pierwsze, pojawia się bardzo dużo wątków. Mamy trzy różne produkty, trzy różne cechy, pokazane w sprytny sposób, również wątek ekologii. Brief tej reklamy musiał wyglądać jak koszmar! Tymczasem w ciągu 30 sekund totalnie prostego przekazu, z muzyką, którą już znamy, wszystkie te wątki łączą się zgrabnie w jedną skuteczną całość.

Tytuł: A Better Way To Fly
Klient: Air New Zealand
Reżyser: Paul Middleditch
Agencja: True
Produkcja filmowa: Plaza

Jest to spot, w którym nie brakuje językowych żartów i anglosaskiego poczucia humoru. W samej narracji jest dużo fajnych zabiegów, fajnych „smaczków”. Oglądając tę reklamę po raz dziesiąty, ona dalej nas nie męczy, a z drugiej strony mówimy tutaj o bardzo prostych rzeczach: o dobrym jedzeniu, o trasach, o tym, że stewardzi i stewardessy są przyjemni. Gdyby pokazano to w klasyczny sposób, prawdopodobnie byłoby to nużące i sztampowe.

Podsumowując, czynnik skuteczności reklamy jest niezwykle istotny, zarówno z punktu widzenia twórców reklamy, jak i klientów. Dlatego tworząc reklamę, dobrze jest korzystać z trendów i badań konsumenckich.

Tytuł: Pepperoni Hug Spot

Produkcja filmowa: użytkownik Reddit + AI

Pierwsza reklama stworzona przez sztuczną inteligencję jest tak naprawdę pseudoreklamą. Nie przedstawia produktu żadnej konkretnej marki, choć mogłaby zdobywać potencjalnych klientów. Została stworzona przez użytkownika Reddita w 3 godziny. Nic z tego, co widzicie w tej reklamie, nie było efektem standardowej pracy. Tutaj koncepcja, kreacja, cały scenariusz, obrazki, lektor, dźwięk i muzyka zostały wygenerowane za pośrednictwem sztucznej inteligencji. Oczywiście to są dopiero początki, jak widać, sama jakość obrazu jest sporym problemem. Potrzeba jeszcze trochę czasu, zanim prawdziwe marki zdecydują się na taki rodzaj reklamy. Do kwestii estetycznych dochodzą jeszcze te prawne, bo wszystkie twarze i sylwetki powstały z połączenia istniejących już obrazów. Niemniej jednak ta reklama powstała od zera w 3 godziny!

Również i w tym przypadku, obraz świata, który widzimy w materiale jest wynaturzony, twarze i ręce są zniekształcone, ale to jest uczenie maszynowe, technologia, która cały czas się rozwija, zbiera nowe dane. Warto natomiast zwrócić uwagę na liczbę „statystów” obecnych w tej reklamie i to, ile normalnie taki plan by kosztował.

Na kolejnych przykładach pokażemy wam zastosowania sztucznej inteligencji, które już nie są śmieszne i dziwaczne, tylko na tyle zaawansowane, że korzystają z nich marki. Wykorzystanie AI w marketingu może obrać dwa kierunki: z jednej strony mamy używanie go jako narzędzia ułatwiającego pracę i nowego narzędzia penetracji rynku, a z drugiej strony wykorzystywanie mody na AI, tego, że jest to temat popularny w sieci, aby podbić sobie dotarcie do użytkowników stron internetowych.

Za wykorzystaniem AI w tym spocie stoi olbrzymia produkcja filmowa. Sztuczna inteligencja była tu jedynie dodatkiem kosmetycznym. Wykorzystano tu MidJourney – do przygotowania assetów i moodów, które są naszym punktem wyjścia w galerii. Z tego, co widzimy, do niektórych elementów i przejść zostało też użyte stable diffusion. Natomiast cały compositing, animacja 3D, wszystko, co buduje jakość, to bardzo dobrze przemyślany i rozwiązany, koncept ludzki.

Tak, jak wspomnieliśmy, miało to na celu przede wszystkim samo pokazanie użytkownikom, że marka stworzyła coś w oparciu o sztuczną inteligencję, że są na bieżąco z trendami w internecie.

Agencja: Brandhouse/Subsero
Dyrektor kreatywny: Louis Pilmark, Jeppe Ritz
Video & VFX: Mark Alexander

Kreacja w tej reklamie broni się na tyle, że jesteśmy w stanie przymknąć oko na ewentualne niedociągnięcia techniczne. Tym bardziej, że ją również stworzyła sztuczna inteligencja. Choć cała reklama ma sens, fajnie byłoby potraktować to, co stworzyła, jako punkt wyjścia i pójść jeszcze o krok dalej, zrobić to lepiej, mocniej. AI świetnie sprawdzi się wtedy jako asystent kreacji. To nie jest jeszcze ten etap, gdzie możemy z czystym sumieniem oddać cały projekt w „ręce” AI.

Agencja: Brandhouse/Subsero Dyrektor kreatywny: Louis Pilmark, Jeppe Ritz Video & VFX: Mark Alexander

Ta reklama pokazuje, gdzie i w jakim typie spotów wykorzystanie sztucznej inteligencji daje największą efektywność. Cztery lata temu, agencja reklamowa Lexusa stwierdziła, że stworzy angażujący widzów scenariusz przy pomocy IBM i systemu analizy danych. W tym celu sztuczna inteligencja analizowała reklamy, które wygrywały nagrody w Cannes przez ostatnie 15 lat. W efekcie algorytm stworzył scenariusz, w którym każde ujęcie miało dokładnie rozpisany komentarz odnośnie tego, co dana cecha obrazu, zachowanie aktorów lub estetyka niesie w przekazie reklamowym, jak to wpływa na konsumenta.

Mimo tak ogromnej palety możliwości, jakie daje nam sztuczna inteligencja oraz jej ciągłego rozwoju, należy pamiętać, że to wciąż maszyna, która wymaga spojrzenia osoby nadzorującej, kogoś z wyczuciem estetycznym, zacięciem artystycznym, kto odpowiednio pokieruje cały proces.

Obserwując ogromne zainteresowanie pomocą AI, zarówno przez reklamodawców, jak i konsumentów, pewne jest, że w przyszłości technologia ta, przyniesie niezwykłą skuteczność i rozpocznie, a właściwie już rozpoczęła, nową erę w marketingu, mediach społecznościowych, czy e-commerce.

A czy w przyszłości poprzez ciągłe uczenie maszynowe, sztuczna inteligencja rozwinie się na tyle, że stanie się godna zaufania klienta i będzie można powierzyć jej samodzielne stworzenie reklamy?  Na ile będzie to szansą, a na ile zagrożeniem dla twórców marketingu? Jakich reakcji klientów możemy się spodziewać?  Wkrótce się przekonamy!

A co Ty myślisz o AI? Czy jest to przydatne czy niepokojące narzędzie, do którego nie powinno się wprowadzać żadnych danych? Daj znać w komentarzu!

Interesują Cię nowe technologie w filmie? Zobacz też:

Jak Wirtualna Produkcja zmienia branżę reklamową?

Przez długi czas trzymaliśmy tę niespodziankę w najgłębszej tajemnicy, a teraz nadszedł czas, aby ogłosić światu nasz wielki projekt! Jesteśmy niezwykle podekscytowani, ponieważ… uwaga, uwaga… robimy film animowany o Cioci Jadzi!!

Z tej okazji – i oczywiście z okazji Dnia Dziecka – rozmawiamy z Elizą Piotrowską, autorką Cioci Jadzi – o naszej współpracy i o ukochanych bajkach z dzieciństwa.

Opowiadania Muminków (1977 – 82)
Produkcja – Se-Ma-For
Reżyseria – Lucjan Dembiński, Krystyna Kulczycka, Dariusz Zawilski, Jadwiga Kudrzycka
Scenariusz – Maria Kossakowska, Lucjan Dembiński

Kierownictwo artystyczne: Tadeusz Wilkosz

Scenariusz: Tadeusz Wilkosz (współautorstwo)

Produkcja – Se-Ma-For
Reżyseria – Ludwik Kronic, Alina Kotowska, Wacław Fedak, Ryszard Szymczak, Ireneusz Czesny, Andrzej Piliczewski, Zbigniew Czernelecki
Scenariusz – Marek Nejman
Muzyka – Piotr Marczewski

Produkcja – Studio Filmów Rysunkowych w Bielsku-Białej
Reżyseria – Lechosław Marszałek
Józef Ćwiertnia, Edward Wątor, Marian Cholerek, Romuald Kłys, Halina Filek, Ryszard Lepióra, Andrzej Flettner
Scenariusz: Lechosław Marszałek, Stanisław Korzonkiewicz, Jerzy Kozłowski, Halina Filek, Szymon Marszałek, Marian Cholerek

Zapraszamy Was 18. czerwca na Plac Kolegiacki w Poznaniu, gdzie odbędzie się Dzień Cioci i na którym po raz pierwszy zaprezentowany zostanie trailer naszej bajki!

Co to są ściany LED? Jak wirtualna produkcja może skrócić czas pracy nad reklamą i umożliwić rzeczy, które dotąd były całkowicie niedostępne? Jak wygląda tworzenie reklam w wirtualnej produkcji? O tym opowiada dzisiejszy gość, Jakub Mączka – Dyrektor Zarządzający w eN Studios.

produkcja wirtualna: Pixomondo i Virtual Production Academy
produkcja: Feels Like Home
agencja: Cossette
reżyseria: Matt Manhire i David Whiteson

Jakub Mączka: Ta reklama to idealny przykład wykorzystania wirtualnej produkcji w reklamie. Nie widać, gdzie się kończy świat fizyczny, a gdzie zaczyna wirtualny. Na końcu zastosowano świetny zabieg – wyłączenie ściany LEDowej, dzięki czemu widoczny stał się cały plan.

Mateusz Pleskacz: Częstym problemem w pracy z green boxem jest np. podłoga, która zbiera kolor zielony. W przypadku pracy ze ścianami LED tego problemu nie ma. A kiedy macie realizację, w której ta podłoga jest naprawdę trudna – jak wygląda to łączenie, czy ten color grading odbywa się na planie?

Jakub: Są różne techniki łączenia podłogi ze światem wirtualnym. Przede wszystkim skan. Możemy zeskanować kawałek podłogi i przełożyć to na całość, dzięki czemu będzie praktycznie nie do odróżnienia, ale zawsze pozostaje różnica kolorów. Color grading odbywa się już na samym planie lub tuż przed planem na testach. Tu ważne jest doświadczenie i odpowiednie umiejętności. Nie każdy umie to zrobić.
Doświadczony unrealowiec robi to szybciutko. Mniej doświadczony musi patrzeć w kamerę, spoglądać na podgląd – i robi to fizycznie, podkręcając kolory.

Mateusz: No właśnie, powiedziałeś tu o Unrealu i myślę, że to jest najciekawsze dla naszych widzów. Tu nie chodzi o to, że w tle jest wyświetlona tapeta elektroniczna. To nie jest wirtualna metoda wyświetlania teł.

Jakub: Wirtualna produkcja za pomocą Unreala charakteryzuje się tym, że jest to wygenerowany komputerowo obraz – czyli lokacja z gry komputerowej. Ta lokacja jest przerzucona na ekran LED.
Dzięki temu, że mamy strackowaną kamerę i komputer odczytuje ruch kamery, możemy uzyskać paralaksę, czyli spojrzeć w bok, a obraz nam się dostosowuje do kamery.

Mateusz: Rozumiem, że jesteśmy na żywo w stanie dokonywać zmian w scenografii? Czyli to jest ten słynny moment, który miał każdy reżyser. Moment, kiedy reżyser mówi do operatora: czy możesz mi przesunąć to słońce?
Teraz już jest to możliwe!

Kuba: Tak. Innym świetnym przykładem jest złota godzina, golden hour. Wyobraź sobie sytuację, w której golden hour trwa 12 h. Nie musisz się spieszyć, nie musisz popędzać ekipy, bo masz na to czas!

Mateusz: To niesamowite. Pamiętajmy, że Hollywood jest właśnie w tym miejscu
z tego powodu, że złota godzina trwa tam najdłużej, kąt nachylenia promieni słońca jest tam odpowiedni. W tym momencie nie ma to już znaczenia!

agencja: Team X / Antoni Berlin
produkcja: BWGTBLD GmbH
reżyser: Søren Schaller

Łukasz: czyli mamy świeżynkę z tego roku. To jest wszystko virtual?

Jakub:

To jest inny typ virtyalu. Tutaj nie użyto ekranów LED-owych, tutaj cały spot wygenerowano w silniku komputerowym Unreal Engine. Cała ta reklama to render.

To daje niesamowite nowe możliwości! Przede wszystkim ruch kamery. Taki ruch kamery, którego nie możemy fizycznie uzyskać w prawdziwym świecie. Do tego światy, które są w całości wymyślone. Ta pustynia, którą tu widzicie – nie ma takiej pustyni. Możemy ją sobie dowolnie wygenerować. Poza tym bliki, które odbijają się w samochodzie – są tak autentyczne, jak nigdy wcześniej.

Mateusz: Jeden z naszych klientów miał marzenie, żeby jego produkt z branży automotive jechał po Marsie. Kiedyś to było niemożliwe, teraz staje się to coraz bardziej wykonalne w sensownych pieniądzach.

Jakub: Tym bardziej że te silniki się rozwijają i praca światła jest coraz lepsza. Tak naprawdę minęło zaledwie 3-4 lata od tych pierwszych produkcji.

Mateusz: Normalnie kręcąc samochód, trzeba czasem zatrzymywać się co 100-200 m, żeby wypolerować auto z pyłków.
Tutaj również nie ma tego problemu.
To wydaje się bardzo kosztowne, a tak naprawdę jest to tańsze rozwiązanie. Wyobraźcie sobie plan, gdzie musicie zamknąć ulicę, zamknąć fragment miasta. Wziąć samochód z arm carem, po to, żeby nakręcić jakiś detal samochodu, za którym jedziecie. Idealnym rozwiązaniem jest nagranie scen z aktorami na planie, a dorabianie w unrealu. Dzięki temu nie macie dwóch dni zdjęciowych, tylko jeden. Jest to świetna optymalizacja kosztowa.

Jakub: Ekran LED-owy jest idealny do kręcenia samochodówek. Samochód to jest jedno wielkie lustro, które odbija i przechwytuje wszelkie bliki. Dlatego samochodówki kręci się na półokrągłych ekranach, dodając dodatkowo ekrany poboczne oraz sufit. Po to, żeby wszystkie te bliki były widziane na samochodzie. To jest super ciekawe, trochę inny sposób kręcenia – driving stage. Rzadko używamy tu Unreala, a zazwyczaj kontentu nakręconego wcześniej z 6-9 kamer.

Łukasz: To jest świetne rozwiązanie, kiedy w samochodzie dzieje się jakaś akcja. W Unrealu nie będziemy tego mieć w renderze, a tu aktorzy mogą rozmawiać, może być jakaś akcja.

Mateusz: Duża korzyść jesli chodzi o kręcenie scen w ruchu.
Jakub: Tak, steadycamista może podejść do samochodu i kręcić ludzi w środku.

reżyser: Greg Bray
operator: Wojtek Zieliński
VP Dir: Armin Kurasz
wirtualna produkcja: ATM Virtual

Mateusz: Obiecywałem sobie, że dzisiaj nie będę mówił o kreacji, ale to jest tak naprawdę prosta reklama, a z bardzo dobrym knyfem kreacyjnym. Zwróćcie uwagę, jak dobrze jest zbudowana. Najpierw mamy prosty hak, bardzo skupiający naszą uwagę, bardzo filmowy. W ciągu pierwszych 5 sekund następuje przyciągnięcie uwagi, a następnie skierowanie jej na korzyść. Dokładnie tak powinna wyglądać egzekucja strategii marketingowej w spocie, kiedy mamy 5 s, żeby chwycić klienta.

Łukasz: Kuba, Ty pracowałeś przy tym spocie, jak to się odbywało?
Jakub: Włożyliśmy dużo pracy w to, żeby namówić agencję i klienta na pracę z tą technologią. Nikt nie był przekonany, to były początki takich technologii. Natomiast wyobraźcie sobie szukanie takiej lokacji, to byłoby niemożliwe. Wprowadziliśmy aktorów w pierwszy plan w wybudowanym wcześniej basenie, a całe tło pokryliśmy ścianą ledową. Scena z pontonem jest nagrana przy użyciu ekranów, kolejna z łazienką w wybudowanej scenografii, a kolejna znów z ekranem.

Łukasz: Tu możemy porozmawiać o ograniczeniach, jakie stawia ściana LED-owa. Wirtualna produkcja jest idealna do plenerów, dużych przestrzeni. Jednak problemem są dla niej małe pomieszczenia, takie jak łazienka. Nie mówię, że to niemożliwe, ale bardzo trudne do sfilmowania.

Mateusz: Jak duży był basen?
Jakub: Basen miał szerokość ekranu LED-owego, miał ok. 12 m. Cały pierwszy plan był wybudowany przez scenografię, a tło wyświetlone na ekranie. To nam dało finalny efekt tuż po zdjęciach bez praktycznie żadnej postprodukcji.

Łukasz: To jest właśnie optymalizacja czasowa.

Mateusz: Jest to ogromna korzyść, ponieważ często klienci przychodzą do nas z wyznaczonym terminem emisji spotu. I zaczyna się szukanie kompromisu, ponieważ termin wyklucza skomplikowaną postprodukcję. Dzięki temu uwalniamy pewne możliwości kreatywne nawet przy bardzo krótkim terminie.

Te kafelki w Excelu, które są z tyłu, przekładamy na przód. W efekcie, od momentu gdy zaczynamy zdjęcia, przez kolor i dźwięk – po 3 dniach mamy gotową reklamę.

Jakub: To jest dobry moment, żeby opowiedzieć o różnicach między produkcją wirtualną a klasyczną.
W klasycznym filmowaniu zaczynamy od pomysłu, rozpisanego treatmentu bądź scenariusza, a później przechodzimy w proces preprodukcji. Czyli jak już mamy zdobytego klienta, to przechodzimy w proces przygotowania spotu, który jest stosunkowo krótki, bo potrafimy to zrobić w kilka dni. Następnie jest proces produkcji, czyli dzień zdjęciowy – egzekucja, a następnie bardzo rozbudowany proces postprodukcji.

W wirtualnej produkcji te proporcje są zamienione, ponieważ zaczynamy od pomysłu. Ten pomysł możemy za pomocą motion capture zrobić coś podobnego do animatica, tak że już będzie na danej lokacji, z rozmieszczonymi postaciami i assetami.

Następnie przechodzimy w proces preproduckycjny. Ten proces jest tak bardzo rozbudowany, jak tylko wymaga tego projekt. Zaczynamy od prewizki czyli robimy prewizualizację całej sceny . Określamy, w którym miejscu będzie ekran LED-owy, gdzie będzie pierwszy plan. Następnie do gry wchodzi departament scenograficzny.

Pierwszy prewiz to skorupa przygotowana do ubrania przez scenografa. Następnie wchodzi scenografia i oni już układają wszystkie elementy. Razem z wirtualnym artystą, czyli unreal artist wyszukują assety i tekstur, i układają je w scenie.

Następnie przechodzimy do prewizualiacji i ona może też być rozbudowana o techwiz i stanwiz. Miożemy zaplanować całą scenę, łącznie z akcją, łącznie z grą aktorską
Wyobraź sobie, że wpadasz do naszego studia ze swoim operatorem, my już mamy przygotowaną lokację unrealową. Wprowadzasz swoich aktorów, których my ubieramy w stój motion capture, wprowadzasz swojego operatora i to jest koniec. Bez żadnej ekipy filmowej.

Czyli rozumiem, że jeżeli wcześniej w Unrealu przygotuję tę scenę, na której rozplanuję koncepcję, ustawienie świateł itd., to jesteśmy w stanie przenieść to na rzeczywistość – tło na ekran, a pierwszy plan na scenografię?
Dokładnie tak.

Mateusz: Gdzie korzyść dla klienta? Klient jeszcze przed spotem idealnie wie, co dostanie.
Jakub: Dokładnie tak. Tu idealnie zaplanujesz sobie proces produkcyjny.
Po tym rozbudowanym procesie preprodukcji przechodzimy do planu zdjęciowego (który jest bardzo przyjemny, bo te ekrany są bardzo efektowne) i bardzo krótkiego etapu postprodukcji. Final edit i to jest koniec.

Kolejna korzyść: nie ma kolejnych akceptacji wersji offline, online itd. Bo klient akceptuje wszystko na planie w czasie rzeczywistym.
Tu jest też pewne wyzwanie, ponieważ już przed planem musimy dokładnie wiedzieć, czego potrzebujemy.

Klient: Orifarm
agencja: OS3
reżyser: Armin Kurasz
operator: Tomasz Ziółkowski
producent: Monika Wagner, Kris Kotlarski
wirtualna produkcja: ATM Virtual

Jakub: To jest dobry przykład jednak kręcenia ciasnych pomieszczeń, o których mówiłem wcześniej, że są problematyczne. W ogóle tutaj nie widać, czy to jest wybudowany dom czy produkcja wirtualna. Aktorzy są już wrzuceni w środek, między nimi lata dużo błyszczących elementów. Nadal mamy tu bardzo krótki proces postprodukcji, bo trzeba tylko powycinać linki aktorów.

Łukasz: Czyli mamy tu tę korzyść, że klient od razu widzi wszystko na planie i na bieżąco akceptuje ujęcia. Ale mówiłeś, że największa korzyść LED-ów staje się widoczna, gdy mamy różne przestrzenie.

agencja: Havas Media Group

reżyser: Brendo Garcia
operator: Adriano Gonfiantini
produkcja filmowa: OTO Film

wirtualna produkcja: ATM Virtual

Mateusz: Bardzo ciekawy mariaż technologii. Rozumiem, że ten pierwszy plan (w drugiej części) jest generowany postprodukcyjnie. To nie jest złe rozwiązanie, ponieważ taka scenografia na pierwszym planie wymagałaby bardzo dużo pracy. Nawet nie wiem, czy taka realizacja byłaby możliwa, bo ta scena jest mocno nierealistyczna.

Łukasz: Kuba, opowiedz jak to było kręcone!

Jakub: Wszystko było kręcone po kolei. Lokacje można przełączać na ekranie dowolnie. Jedynym problemem jest zmiana scenografii. Tu nie było dużo scenografii. Tu płynnie zakryliśmy podłogę drewnianą basenem. Z tego, co tu widzicie fizycznie – jedyne elementy to basen i liść. bo elementy, w których mamy interakcję z aktorem, muszą być obecne fizycznie. Reszta podłogi wyglądała jak zwykła halowa podłoga. Dzięki temu, że kamera ma swój tracking i my potrafimy zapisać ten tracking, proces postprodukcji jest na tyle łatwy, że nie trzeba już trackować podłogi.

Łukasz: to jest super, bo to jest świetna optymalizacja czasu pod względem planu zdjęciowego, bo można zrobić sekwencję po sekwencji, a postprodukcja też jest krótsza.

Mateusz: Bardzo często kręci się kilka reklam w ramach jednego planu zdjęciowego. Sama egzekucja jest też bardzo przyjemna dla klienta. Nie ma wielkiego czekania, przerzutów, pięciogodzinnej przerwy, która trwa, bo trzeba wszystko przebudować. Wszystko mamy już wcześniej.

Jakub: Tak. Proces zdjęciowy wygląda naprawdę płynnie. Jedyne, na co czekamy, to zmiany scenografii. Bardzo często scenografia jest przygotowywana na platformach, w danym momencie po prostu wjeżdża np. basen na kółkach.

Łukasz: To robi wrażenie. Jak to zostało zrobione w jeden dzień?
Jakub: To był to bardzo długi dzień. Poprzedzało go bardzo wiele przygotowań i testów.
Jeśli bardzo dobrze rozplanujemy ten proces, jeśli mamy wystarczającą liczbę ludzi na planie – to jest to możliwe.
Dostępne też są lokacje, które normalnie są poza zasięgiem (np. lotniska).
Wielkie przestrzenie, hangary, wiatraki – one świetnie wychodzą na ekranach LED-owych.

Mamy nadzieję, że podobał Wam się ten wywiad. Nowe technologie dają nam ogromne możliwości w branży reklamowej i filmowej. My mamy niedosyt i planujemy już kolejny odcinek. Jeśli macie jakieś pytania w tym temacie – czekamy na nie w komentarzach!

Kiedy już masz swój wymarzony spot wideo, kolejnym krokiem jest opracowanie dobrej strategii publikacji, żeby dotrzeć do jak największej liczby klientów.

O tym, co możesz zrobić, kiedy wydaje Ci się, że zrobiłeś już wszystko – opowiada współzałożyciel agencji Get Noticed, Michał Garczyński.

Powyżej znajdziecie cały odcinek TOP 5, a poniżej ulubione reklamy Michała i zapis naszej rozmowy!

O Pyszne.pl można śmiało powiedzieć, że ich działania marketingowe widać wszędzie. Ta marka została bardzo szybko zbudowana w Polsce.

Sam dżingiel może być dyskusyjny, ale z pewnością zapada w pamięć. Natomiast budowa tego spotu pod względem skuteczności – to majstersztyk. Pierwsze 5 sekund jest skonstruowane tak, żeby przyciągnąć uwagę. Mamy tu różne ujęcia, znaną twarz, niesamowitą scenografię.

Netflix to marka, która bardzo mocno przenika do mediów out of home. Na przykład w Poznaniu przy Teatralce jest taki mural, prawdopodobnie wykupiony przez Netflixa, na którym zamieszcza on każdą pojawiającą się w serwisie nowość. Wykorzystują też Guerilla Marketing. W Krakowie koło sławnej rzeźby maski postawili maskę, która imituje Sarvadora Dalí.

Każde medium, którym się posługujemy, dociera do trochę innej grupy docelowej.
Mimo ze YouTube ma 81 proc pokrycia internautów w Polsce – czyli 27 mln wyświetleń miesięcznie – to nie ma tych osób powyżej 54 roku życia i do nich możemy dotrzeć na przykład muralem czy biboardem, czy citylightem na przystanku.

Dlatego tak ważne jest pamiętanie o różnych punktach styku: żeby nie skupiać się tylko na jednym medium, ale pomyśleć szerzej, gdzie możemy spotkać naszego klienta.

Mateusz: Co robicie w agencji po otrzymaniu reklamy wideo, żeby dotarła ona do jak największej liczby ludzi? Czy staracie się bardziej wejść w buty użytkownika czy raczej tworzycie tak gęstą sieć, żeby ta osoba w nią wpadła?

Michał Garczyński: Każda dobra kreacja musi mieć cel, czyli target, do którego musimy dotrzeć. Zazwyczaj są one znane przez klientów, bo oni docierają już do nich od lat.

Kiedy mamy określoną grupę docelową, dobieramy do niej różne rodzaje mediów.

Podam to na przykładzie grup wiekowych. YouTube ma 90% pokrycia w kohortach wiekowych 18-54 lat, ale nadal mamy grupy od 55 wzwyż – to jest grupa, której trzeba poszukać gdzie indziej.

Mateusz: Załóżmy, że mam 60 lat, jestem dumnym właścicielem Bentleya, chciałbyś do mnie dotrzeć z reklamą zegarka za pół miliona złotych. Gdzie szukałbyś punktów styku dla mnie?

Michał: Przede wszystkim szukałbym Cię komunikatami w mediach OOH. Telewizja na pewno, do tego billboardy, może jakaś akcja w galerii handlowej, w miejsach offline. Na pewno wyświetliłbym Ci reklamę na polu golfowym. 

Mateusz: Czy raczej szedłbyś moim tropem czy raczej starał się tworzyć sieć, w którą ja wpadnę?

Michał: Próbowałbym wejść w twoje buty. Starałbym się wejść w Twoje buty. To byłby wstępny research, a potem bym się skupił na punktach styku. Zawsze miałbym w głowie, że tych punktów styku musi być minimum osiem.

Łukasz: Powiedzmy, że mamy ograniczony budżet – w co najlepiej go wpakować?

Michał: Mały budżet to też pojęcie względne. Dla kogoś, kto ma 100 milionów, mały to będzie milion, a dla kogoś, kto ma 100 tysięcy, mały to będzie tysiąc. 

Przy małym budżecie rekomendowałbym YouTube. Ta platforma ma 27 mln odbiorców i 81 % pokrycia wszystkich użytkowników internetu. Jeśli mamy ekskluzywny produkt, np. jakieś kwasy hialuronowe, zabiegi dla kobiet – możemy go stargetować, wykorzystując konkretne kanały, które traktują o tej tematyce. Możemy targetować po zainteresowaniach, po płci, po wieku. 

Mateusz: Od jakiej kwoty jest sens rozglądać się za zrobieniem kampanii?

Michał: Zastosujemy tu pewne benchmarki. Na YouTube jest taki format jak Masthead. Tę reklamę można wykupić w modelu CPM (gdzie płacimy za tysiąc wyświetleń) lub CPH (za bitą godzinę wyświetlenia reklamy, np. w całym YouTube od godziny 19 do 20. Oczywiście taką reklamę trzeba ustawić, mając dostęp do DiVi 360.

Taka reklama w modlu CPH kosztuje 24 tys. zł za godzinę, ale tutaj jest gwiazdka – trzeba wykupić minimum 2 godziny. Czyli koszt takiej reklamy, która wyświetli się przez godzinę w całym YouTube, gwarantując ogromne zasięgi to ok. 50 000 zł.

Kiedy rozliczamy się per wyświeltenia, to jest to minimum 30 000 zł, które trzeba wydać. Są to dosyć duże budżety, więc może się opłacić skorzystanie z innych reklam na YouTube, gdzie przy właściwym stargetowaniu wyświetlenia będą tańsze.

I tutaj mamy różne formaty: 30 sekund, pomijalne, niepomijalne, 15 s, bumper ads. 

Połączenie tych wszystkich formatów może być dla nas świetną strategią i dać bardzo fajne wyniki. 

Myślę, że taki budżet na małą markę to jest ok 5000-10 000 zł miesięcznie, żeby generować dobre efekty. 

Mateusz: Kiedy badacie, jak pracuje reklama – jak Wam pracują bumpery lub te reklamy pomijalne, czy klient zostaje, czy nerwowo wciska “Pomiń reklamę”, żeby móc przejść dalej?

Michał: Myślę, że jestem w bardzo dobrym miejscu. W firmie, która wie, jak to zrobić, żeby wykorzystać te pierwsze 5 sekund do zaciekawienia klienta.

Tu nie ma dobrej odpowiedzi, ponieważ jeśli pójdziemy w same bumpery, to nam nic nie da. One najlepiej działają w połączeniu z tymi wszystkimi innymi formatami. Najlepiej zaczynać od dłuższych, potem przejść do krótszych, po bumpery. To można ustawić w sekwencji wyświetlania. 

Czy bumpery się sprawdzają? Według naszego case study z pracy z jednym z klientów tak. To były formaty, które prowadziły do wyszukiwania frazy w wyszukiwarce YouTube (która jest drugą wyszukiwarką na świecie po Google).

Łukasz: Często, tworząc reklamy dla klientów, widzimy taki trend, że w TV idzie np. 15 sekund, a w internecie forma dłuższa. Czy telewizja odchodzi trochę w niepamięć, a internet zaczyna zabierać użytkowników?

Michał: Trochę tak jest. Oczywiście jest to tylko nasze zdanie. 12 mln użytkowników korzysta z YouTube na telewizorze. czyli po obejrzeniu telewizji zmienia kanał na yt.

Mateusz: Zmienia się też akcent w reklamie filmowej  – hak scenariuszowy ma być na początku, w ciągu pierwszych 5 sekund.

Michał: YouTube pomaga reklamodawcom, tworząc własne strategie (które są potwierdzone przez instytut Kantar).

Jedną z nich jest model ABCD.

Attention, Branding, Connection, Direction.

Attention – wciągu 5 s trzeba zdobyć uwagę użytkownika. Tutaj świetnie się sprawdzają zbliżenia na twarz, emocje. Bardzo często w ciągu tego pierwszego czasu wykorzystuje się na przykład dwa ujęcia lub wykorzystuje się przebitki z dłuższego formatu, żeby to, co najciekawsze, znalazło się na początku.

Branding – Kiedy mamy już uwagę, musimy się skupić na Brandingu. Tu musi paść nazwa firmy. Może ją wymówić lektor lub aktor, ale powinno to wybrzmieć w ciągu pierwszych 5 s.

Connection – przypomnijcie sobie reklamy, które przedłużyliście. Przychodzi mi do głowy marka Dove. Tematy są często wzruszające, chwytają za serce, nawet gdy reklama trwa 3-4 minuty! Ważne, żeby tu użyć muzyki związanej z targetem lub bohaterów ważnych dla danej społeczności.

Direction – na koniec kierujemy klienta do jakiegoś działania. Np. odwiedź najbliższy salon, który ma Dove i tam wypełnij formularz. Załóż konto oszczędnościowe. Kup produkt. Może to się wydaje trywialne, ale ten komunikat musi wybrzmieć.

Łukasz: A skąd wiadomo, że te kampanie działają?

Michał: YouTube w odpowiedzi na tę potrzebę stworzyło dwa badania: Brand Lift i Search Lift. Są to badania ankietowe i są one odblokowywane po wydaniu odpowiedniej kwoty. 

W PL jest to 5000$ przez 10 dni. Wtedy odblokowujesz możliwość zadania  1 pytania w ankiecie.

Osoby, które widziały materiał lub go nie widziały, zaznaczają różne opcje. Na tej podstawie możemy stwierdzić, jaki jest procent zaangażowania tych użytkowników. W krótkim okresie prawdopodobieństwo zakupu wzrasta o 30%, a w dłuższym okresie czasu o 17% wzmacniamy rozpoznawalność naszego brandu.

W Search Lift możemy sprawdzić, jakie były wyszukiwania po obejrzeniu naszej reklamy. Wybrać frazę kluczową i potem sprawdzić, jak była wyszukiwana w drugiej największej wyszukiwarce na świecie – YouTube.

Średnia oglądalność per user 45 min dziennie (w Polsce), im młodsza osoba, tym więcej. Ta liczba wciąż się powiększa.

Mateusz: Jeżeli to jest średnia, to mamy użytkowników, którzy spędzają przed ekranami godziny.

Michał: Tak, a mówimy teraz o samym YouTube. A do tego należy dodać strategię multichannelową, czyli media społecznościowe, telewizję i inne media.

Jest to mniej więcej 3 h prime time’u, w którym możemy trafić do użytkownika z naszym komunikatem!

Naszym zadaniem jest tak ułożyć mix wykorzystywanych kanałów, żeby jak najlepiej docierać do użytkowników i żeby było to jak najbardziej opłacalne.

KeyStory: Bardzo dziękujemy za rozmowę! Zachęcamy do obejrzenia innych wywiadów z eskpertami z branży marketingowej na kanale KeyStory na YouTube.